El musical es un género teatral o cinematográfico en el que la acción se desenvuelve con secciones cantadas y bailadas. Es una forma de teatro que combina música, canción, diálogo y baile, y que se representa en grandes escenarios
La comedia musical cinematográfica es un género cinematográfico específico que presenta dos rasgos fundamentales en relación con la música que utiliza:
- Invierte los términos entre música e imagen.
- Procede, en casi todos los casos, del teatro.
Su evolución, puede resumirse en tres etapas fundamentales:
Años 30, la edad de oro: La calle 42 y Volando a Río de Janeiro
Años 40 y 40, la edad de plata: Mago de Oz y Cantado bajo la lluvia
Años 60 y 70, la edad del plomo: Sonrisas y Lágrimas y West Side Story
Se puede decir que el musical nació el 12 de septiembre de 1866, el día en el que en Estados Unidos se pone en escena por primera vez una ópera (The Black Crook), que surge de la unión entre una compañía de danza y baile europea con una compañía de teatro. Esta colaboración surge del hecho de que la primera se encontraba sin un recinto donde actuar mientras que la segunda estaba montando una producción que resultaba ser mucho más cara de lo esperado. Superadas las dificultades económicas y de organización el 12 de septiembre se estrenaba la pieza en el Niblo's Garden de Nueva York.
Por tanto, el musical se desarrolla como una forma de teatro dirigido a las masas y para un público muy diverso. Su estructura y estilo permite que el espectador sea capaz de seguir el espectáculo como en un vodevil (teatro de variedades), dando como resultado una representación más simple y fácil de entender que la prosa tradicional.
musicales de Broadway
La comedia musical nace en los CIUDAD RODRIGO en un contexto histórico de fortísima inmigración con una población urbana compleja y de muy distintos orígenes étnicos y culturales, que a menudo ni siquiera hablan 'inglés; estos colectivos representan una vasta audiencia potencial para el musical, porque esta forma de entretenimiento es capaz de atraer con facilidad el interés del público con una historia que es claramente evidente en el desarrollo del espectáculo, sin necesidad de tener un profundo conocimiento del idioma, y que al mismo tiempo visualmente atractiva.
A partir de Nueva York (Broadway), la cultura del musical se va extendiendo por el resto del territorio estadounidense. Comienzan a estrenarse obras que pasarían a la historia de esta modalidad de espectáculo: Así, A Trip to Chinatown (1891), de Percy Gaunt; Wang de Woolson Morse; The Belle of New York (1897) de Gustave Kerker con Edna May o The Wizard of Oz (1902), de Paul Tietjens.
Musicales
Dirijida por Baz Luhrmann y basada en la ópera de Giuseppe Verdi La traviata, así como en la novela La dama de las camelias del escritor francés Alejandro Dumas (hijo). Protagonizada por Nicole Kidman haciendo el papel de Satine, y, Ewan McGregor representando el papel de Christian.
En Moulin Rouge el héroe interpretado por Ewan McGregor, Christian, baja al infierno del decadente club parisino para rescatar con sus poemas a la moribunda Satine. Aunque ella cae rendida ante su fantástica reinterpretación del Your Song de Elton John, la cortesana es perseguida por El Duque (Richard Roxburgh) y condenada a separarse de su amado por el dueño del Moulin Rouge, Harold Zidler (Jim Broadbent).
Moulin Rouge tiene referencias intertextuales a mitos y fábulas como por ejemplo, la fábula de Orfeo. En esta, el héroe baja a los infiernos para salvar a su fallecida esposa Eurídice. Armado únicamente con su música consigue calmar a las furias y ménades infernales y suscitar la compasión de Perséfone, que convence a Hades para que permita marchar a los dos amantes. La única condición, que finalmente los separará: Orfeo debe caminar delante de Eurídice y no mirar atrás hasta haber abandonado el infierno.
El filme suscitó reacciones encontradas. Como en el caso del peplum Gladiator de Ridley Scott, se afirmó que Moulin Rouge! recuperaba un género abstracto y cinematográfico pasado de moda (en este caso, el cine musical) ofreciendo una visión tridimensional y atípica, visualmente apabullante y de éxito comercial.
Sin embargo, hay que matizar que el filme no ofrecía apenas música original, sino que se servía de éxitos de géneros como la música pop o la música rock, encajándolos de manera más o menos justificada en el argumento. Entre dichas canciones, figuran "Your Song" de Elton John, "The Show Must Go On" de Queen, "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana, "Like a Virgin" de Madonna y "Roxanne" del grupo The Police, en formato de tango ideado por Mariano Mores, así como el conocido tema de este último, "Tanguera".8 En la banda sonora intervenían astros de la música como David Bowie y el incipiente Rufus Wainwright, quien luego también aportaría una canción para Brokeback Mountain.
Las críticas más duras se centraban en los deliberados anacronismos, que alteraron el contexto histórico (finales del siglo XIX) para ofrecer una mezcla de estética pompier, casi kitsch, con una rebeldía actual. También se criticó el protagonismo excesivo de lo visual sobre lo argumental y musical: movimientos vertiginosos de cámara, abuso de colores cálidos y un montaje agresivo que pretendían apabullar más que sugerir. El argumento se tachó de simplista y realmente nada arriesgado: una historia convencional de Romeo y Julieta, de un romance dificultado por causas externas y que concluye fatalmente.
Los elogios, por el contrario, se centraron en subrayar el riesgo de recuperar el género musical con un gran presupuesto, otorgando los papeles protagonistas a actores que si bien tenían un caché elevado, no eran cantantes profesionales y usaban su voz real.
fotogramas de Moulin Rouge
Película dirigida por Michael Gracey y protagonizada por Hugh Jackman. Basada en la historia real de fundador del circo Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus, la película fue escrita por Michael Arndt, Jenny Bicks y Bill Condon.
Ganó el Globo de Oro a la 'Mejor canción' por This is me y recibió nominaciones a Mejor actor de comedia o musical y a Mejor película de comedia o musical, así como la nominación a Mejor canción en los Oscar.
Es la ópera prima del directo Michael Gracey, que anteriormente había trabajado en publicidad y efectos visuales. Lo mejor de El gran showman es su espectacular puesta en escena, con un arranque que recuerda a clásicos del musical como Cabaret (1972) o Empieza el espectáculo (All That Jazz, 1979), ambos dirigidos por Bob Fosse. La cinta fue producida por Fox, la cual contrató al director de publicidad y artista de efectos visuales Michael Gracey para dirigir el biopic musical
P. T. Barnum, un inteligente y manipulador personaje. Es un padre de familia del siglo XIX que queda desempleado luego de que la empresa para la que trabaja cae en bancarrota. Con la ayuda de un préstamo bancario, y la de su esposa Charity, decide cambiar su vida adquiriendo un museo de figuras de cera, que tuvo por nombre "El museo de curiosidades de Barnum", sin embargo, su malicia y astucia hacen que el museo se convierta en un espectáculo de rarezas para atraer la atención de más espectadores con ansias de gastar su dinero en dicho show.
La mujer barbuda, el hombre más diminuto, los mejores trapecistas, y el hombre más alto, son algunos de los ejemplos que incluyó P.T en su espectáculo, cambiándole, luego el nombre a "El circo de Barnum”. Estas personas poco usuales, contratadas por Barnum, se sienten aceptadas por cierta parte del público, ofreciendo, la película de esta forma, un enfoque de cómo la sociedad puede llegar a juzgar a las personas por las apariencias y no por cómo son en su interior.
El Gran Showman es un gran musical ganador del Globo de Oro a la 'Mejor canción' por This is me. Un excelente trabajo audiovisual que te hará cantar y bailar con sus canciones pegajosas. Como también analizar a la sociedad actual, apreciar mejor la importancia que tiene el amor y la amistad, además de brindarle al espectador una visión de constancia a la hora de alcanzar metas. Sin duda una obra cinematográfica que nadie se debería perder.
portada película en cartelera
Dirigida por Randal Kleiser
La película fue un rotundo éxito y consolidó la carrera de varios artistas principales como la del mismo Travolta y Newton-John, la de Stockard Channing, la de Jeff Conaway, y la de personajes secundarios como la del actor Lorenzo Lamas.
Trata sobre la historia de amor del rebelde Danny Zuko (John Travolta) y la inocente Sandy Olsson (Olivia Newton-John). Ambos se conocen durante el verano y al despedirse ninguno de los dos piensa en que se vayan a ver de nuevo. Pero estaban equivocados: cuando ella decide matricularse en el mismo instituto que su amiga Frenchy (Didi Conn) lo último que esperaba era convertirse en compañera de Danny, el co-líder rebelde de los T-Birds.
portada de la película
El film se abre con una secuencia en la playa, que hace abundante y muy buen uso de la hora mágica. Desde la misma, resulta evidente que una de las principales preocupaciones de Butler a lo largo de la proyección va a ser la de llevar a cabo un tratamiento de estrella sobre John Travolta –que nunca ha lucido mejor- y Olivia Newton-John, con un trabajo especialmente complicado con la actriz, la cual ya era demasiado mayor para el papel de joven de instituto que estaba interpretando.
A continuación, también se aprecia que Butler rueda casi todas las escenas que puede mediante ópticas zoom convertidas a formato anamórfico; en su proyección en la gran pantalla, ello hace que “Grease” tenga una imagen muy suave y que se vea afectada por muchas de las aberraciones que habitualmente se asocia a este tipo de ópticas. Curiosamente –o no- cuando se ve forzado a utilizar ópticas anamórficas fijas (por ejemplo, en los citados exteriores nocturnos, para poder emplear diafragmas mayores de T/4.5), la imagen posee más nitidez y contraste, más “cuerpo”, algo que ocurre en muchas películas de la época, en las que los operadores utilizaban con mucha frecuencia los zooms.
El estilo de iluminación de “Grease” es algo confuso, mezcla de varios factores: por un lado, porque la ambientación en la década de los 50 conlleva que Bill Butler, junto con los diseñadores de producción y de vestuario, lleven a cabo un intento de emular, en cierto modo, el cine clásico Hollywoodense de aquélla década, por lo que optan por una paleta de color muy amplia, con tonos y colores muy saturados. Y de otro, porque Butler, estilísticamente, pertenece a esa generación de operadores de Hollywood (los “Masters of Light” del libro de Dennis Schaefer y Larry Salvato, en el cual Butler también fue entrevistado) que buscaban apartarse precisamente del estilo clásico Hollywoodense, implantando unas nuevas formas que, por lo general, apostaban por una imagen más sencilla, menos recargada y más natural.
Ello afecta a la fotografía de “Grease” porque muchos de sus números y escenas están rodadas de forma muy clásica, haciendo uso de todos los aparatos de iluminación imaginables, altos niveles de iluminación y el estilo trabajado y vistoso de los “clásicos”, mientras que, por el contrario, se aprecia que Butler, en bastantes ocasiones, se encuentra más cómodo utilizando menos aparatos, menos luz y empleando esquemas más sencillos (por ejemplo, durante los exteriores nocturnos, que carecen de cualquier tipo de estilización en este aspecto). Aunque, por supuesto, en este aspecto, Butler estaba lejos de la clase y el talento de gente como Owen Roizman y Conrad Hall, mucho más capaces para crear belleza desde conceptos sencillos.
La puesta en escena de Randal Kleiser es algo rutinaria y no tiene una inspiración especial; el momento en el que más brilla, sin ningún género de dudas, es durante las escenas finales, coincidiendo con que las coreografías de Patricia Birch son más elaboradas. El resto es una puesta en escena bastante anónima y convencional, aunque como decíamos, las virtudes de la película, por las cuales arrastra una notable popularidad muchos años después de su estreno, no residen precisamente ni en el trabajo de su director ni en el de su operador.
escena final Grease